C’est forcément un des gros évènements de la rentrée : « Centipede Hz » le nouvel album de ANIMAL COLLECTIVE.

La bande des quatre de Baltimore (Avey Tare (David Portner), Panda Bear (Noah Lennox), Deakin (Josh Dibb), et Geologist (Brian Weitz).) nous avait laissé en 2009 avec l’époustouflant « Merriweather Post Pavillion », album de l’année pour beaucoup. Alors comment rebondir avec un nouvel opus sans se casser la figure ?

Et bien en se retrouvant tous ensemble à Baltimore (ils résident habituellement entre New York City, Los Angeles et Lisbonne), en composant en direct live, improvisant en studio et jouant vite et fort. Et l’énergie et la magie ont judicieusement fonctionné. Autour du concept d’une radio FM captée et jouée par des extra terrestres à l’autre bout de l’univers, Animal Collective délivre des nouveaux morceaux speeds et brillants.

A des années lumières de la pop ambient et incantatoire de « Merriweather Post pavillion », les chansons sont rebondissantes, syncopées, tourbillonnent telles des musiques de fête foraine. Des manèges qui font peur et mettent la tête à l’envers (« Moonjock« , « Wide Eyed », « Monkey Riches« ), un palais des glaces mysterieux (« Rosie Oh », « New Town Burnout », « Pulleys »), un grand huit dans les étoiles (« Applesauce », « Father Time », « Mercury Man ») ou un stand exotique (« Amanita » et « Todays Supernatural »).

C’est beaucoup plus difficile d’accès, plus expérimental que par le passé, mais paradoxalement plus addictif et séduisant. On y retrouve la qualité des rengaines souvent enfantines et pop, mais dans un maelström de synthés venus d’autres galaxies, de rythmes tantôt tribaux, tantôt martiaux. Bref une expérience curieuse et réjouissante, rock et psychédélique. A découvrir à partir du 4 septembre, date de sa sortie officielle chez Domino, excellent label qu’on ne présente plus.

Voici « Today’s Supernatural » le single officiel :

Et pour écouter l’album, le site Animal Collective radio, avec des vidéos « maison » en plus

Dernière étape de notre voyage musical dans l’hémisphère sud, voici les Australiens HUSKY.

En fait, ils nous permettent même de franchir l’équateur et de remonter vers le nord en leur compagnie, puisqu’ils ont trouvé refuge aux USA à Seattle, sur le mythique label local Sub Pop (Nirvana, Mudhoney, Fleet Foxes).

Husky est un quatuor originaire de Melbourne, composé de Husky Gawenda (chant, guitare) Gideon Preiss (claviers) Evan Tweedie (basse) et Luke Collins (drums). Ils pratiquent un folk indie très classique, roots, où on entend glisser les doigts sur les cordes et imprégné de l’odeur du feu de bois qui crépite dans la cheminée. Les chansons sont inspirées, habitées, et magnifiées par le timbre de voix de Huksy Gawenda, haut perché, pur et aérien. On y entend forcément de belles harmonies vocales, à la Crosby Still Nash and Young ou Fleet Foxes. Autant dire des références sûres …

Leur premier album s’intitule « Forever So ». C’est le genre de disque avec un début et une fin, qu’on écoute intégralement, de l’ouverture à la Beck de « Tidal Wave » à, 13 morceaux plus tard, « Farewell (3 parts) » et ses trompettes paisibles en guise de conclusion.

C’est le moment de ressortir les chemises à carreaux et le jean rapiécé …

Pour cette nouvelle découverte, nous restons dans l’hémisphère sud après l’Australie lors de notre précédente chronique, pour aller pour la première fois dans TheMusicalBox en Afrique du Sud avec PETITE NOIR, originaire de Capetown.

Derrière cet étrange patronyme se cache Yannick Ilunga, 21 ans seulement, chanteur et producteur, qui a connu une vie familiale itinérante : parents Congolais et Angolais, naissance à Bruxelles, puis départ pour l’Afrique du Sud.

Il déboule dans un torrent d’éloges de la part des rock-critiques les plus exigeants, , emporte tout sur son passage avec ce premier single « Till We Ghosts » et nous transporte vers un monde inconnu, nimbé d’une étrange ambiance musicale. C’est une chanson incantatoire, dans un écrin musical résolument pop : arpèges cristallins, nappes aériennes de claviers. Mais il faut écouter cette voix profonde, mystérieuse, qui récite des mantras parfois repris par des choeurs.

C’est une ambiance qui nous déphase complètement, qui nous fait perdre nos repères habituels, entre la pénombre de la new wave dark des 80’s et la lumière et la chaleur des percussions tribales des townships. Quelque part entre Animal Collective et Johnny Clegg !

Ne pas se fier à son nom : Jonathan Boulet est Australien. Ce grand fan de skate, originaire du Nord de Sydney, est un multi-instrumentiste décomplexé âgé de 21 ans. Il est signé sur le label Modular, excellente écurie dans laquelle figurent d’autres groupes Australiens importants : Pond, Tame Impala ou The Avalanches.

« We Keep The Beat, Found The Sound, See The Need, Start The Heart » est son deuxième album, qui vient de paraitre. Le premier date de décembre 2009.

Ne pas de fier à son allure : sous de faux-airs de folkeux barbu à guitare se cache un orfèvre en pop délicate, scintillante, colorée et jamais entendue jusqu’à présent. Sa caractéristique principale est l’audace. On la retrouve dans les tempos virevoltants à rebondissements, dans les arrangements symphoniques de claviers, guitares et percussions ou dans les mélodies extra-terrestres avec des multi-pistes de voix illuminées.

Les références que l’on peut citer se situent entre Vampire Weekend et Animal Collective. J’invoquerais volontiers le bouillonnant Andy Partridge de XTC, dont on retrouve l’art du contrepied et la richesse mélodique.

Par exemple dans ce « This Song is Called Ragged », avec sa cavalcade rythmique syncopée et tribale, une voix qui n’hésite pas à monter dans les octaves et les chorus de chorale qui érigent cette chanson en un hymne incandescent.

Bref : un artiste à écouter d’urgence.

« Just Tell Me That You Want Me » : ou quand le hasard fait se croiser l’actualité et l’histoire du Rock.

Car quelle meilleure occasion que ce Tribute to Fleetwood Mac pour reparler de ce monstre sacré de la musique des 70’s : nous évoquons souvent dans nos chroniques les harmonies vocales parfaites et la coolitude « West Coast » de Fleetwood Mac. Alors de qui s’agit-il ?

Je vous parle d’un temps très ancien (les 70’s) où ni la révolution punk, ni l’agitation des boules à facettes disco n’étaient encore passées. Même Feed back, l’émission mythique de Bernard Lenoir ne figurait pas encore sur les ondes de France Inter. (Parenthèse : qui a des nouvelles de Bernard ? Il me manque beaucoup !)

En fait on parle toujours de musique Californienne à leur égard, mais Fleetwood Mac est un groupe ANGLAIS ! Au tout départ, en 1968, c’était même un groupe de Blues, constitué autour de Mike Fleetwood (batteur), Peter Green (Guitare) et John McVie à la basse. Puis leur style évolue avec le mariage de John McVie et l’arrivée de Christine, sa femme, chanteuse et pianiste. Elle amène une touche mélodique plus pop et folk. Le remplacement de Peter Green par Bob Welsh à la guitare finit par mener le groupe sur les chemins d’un véritable folk-rock.

Mais le coup de baguette magique a lieu en Californie en 1973, grâce à la rencontre puis au recrutement de Lindsey Buckingham (Guitariste et producteur) et Stevie Nicks (Chanteuse et compositrice), qui eux sont de San Francisco. Le folk-rock Anglais fusionne avec la sunshine pop Californienne et de cette union nait une pop délicate, avec des harmonies vocales magnifiques, très influencées par les Beach Boys, écrite par les fines mélodistes que sont Stevie Nicks et Christine McVie et arrangée par le geek de studio perfectionniste qu’est Lindsey Buckingham. Le groupe parvient instantanément à la célébrité mondiale avec « Fleetwood Mac » en 1975 et surtout l’album « Rumours » en 1977, qui marque un virage encore plus pop. Ce disque sera un succès planétaire : 4 morceaux dans le Top10 US (« Go your own way », « Dreams », « Don’t stop » et « You make loving fun »), l’album en tête dans les charts pendant SIX mois (!) et 8ème disque le plus vendu dans le monde … C’est LE disque de toute une génération. Il est le standard du « rock adulte Californien« . Après un tel succès, les années suivantes seront une lente descente aux enfers pour le groupe, entre conflits d’égo, problèmes de couples et perte d’inspiration musicale. Et plus jamais ils n’atteindront un tel niveau, sachant qu’ils s’éparpilleront tous dans des projets solo divers et variés.

En 2012 la pop Californienne est devenue la valeur référence d’une multitude de groupes actuels, et il est significatif de retrouver sur cet album hommage à Fleetwood Mac ce qui serait le casting de rêve d’un festival indie : Lee Ranaldo et Jay Mascis, Antony, Best Coast, The New Pornographers, Marianne Faithfull, Lykke Li, Bonnie Prince Billy, Washed Out, Tame Impala, The Kills, Craig Wedren with St. Vincent ou MGMT.

Sur le plan purement musical, comme souvent (toujours ?) cet album-tribute n’apporte pas grand chose à la splendeur des originaux. Réjouissons-nous cependant d’entendre la jeune génération reprendre ces tubes éternels de notre histoire musicale. par exemple les teenage sisters Californiennes de Haim avec « Hold me ».

L’album « Just Tell Me That You Want Me » vient de sortir chez Universal.

Aujourd’hui, voici un personnage décalé et iconoclaste comme on les aime tant dans notre MusicalBox : Amanda Palmer.

Issue de la scène arty New Yorkaise, celle que l’on surnomme parfois Amanda « Fucking » Palmer est en effet une artiste multicarte : auteur-compositeur, performer, pianiste, chanteuse, mais surtout provocatrice diplômée.

Dès son début de carrière, elle s’est située dans une démarche artistique sans concession, visuelle et outrancière. Au sein des Dresden Dolls, duo fondé avec le batteur Brian Viglione entre 2001 et 2008, elle élabore une formule cabaret-provoc, qui habille Kurt Veil d’une façade punk et polissonne.

Puis Amanda opte pour une carrière solo sous son propre nom, ou en duo au sein de Evelyn Evelyn.

Mais elle n’a jamais rangé au placard son tempérament de feu, comme en témoigne les nombreux conflits dans lesquels elle s’est retrouvé impliquée.

A la suite d’un désaccord avec son label RoadRunner au sujet d’une vidéo où elle voulait dévoiler son ventre, elle devient très rancunière et multiplie les déclarations, chansons engagées et les campagnes virales sur le net jusqu’à obtenir de quitter le label. Fâcherie avec la censure aussi, après une chanson baptisée « Oasis » qui conte les tourments d’une fan du groupe Mancunien victime d’un viol. Ou encore avec Katy Perry dont elle a utilisé la chanson « I kissed a girl » dans un sketch pro-mariage homosexuel …

Et la voici encore au sein de la tourmente, avec le clip de « Want it back », qui a déchainé les foudres de la censure, pour quelques images de sein dénudé.

Au delà de la polémique, nous apprécions bien cette pop rock enlevée, pétillante et sauvage, qui, dans un monde ouvert d’esprit et juste, aurait pu faire un excellent tube de l’été.

Pas vraiment du côté des censeurs, nous vous proposons bien entendu la version non censurée de ce clip par ailleurs très réussi !

Un jour de canicule, il faut éviter les efforts trop intenses, rester à l’ombre et se rafraichir. Comme c’est le cas en France aujourd’hui, respectons consciencieusement les consignes officielles avec l’écoute de KESTON COBBLER’S CLUB.

La petite douceur qu’est le clip de « Pett Level » obéit bien aux précautions réglementaires : une folk-pop minimaliste et lente, sans effet pyrotechnique, avec quelques accords d’ukulele en guise d’accompagnement. Qui plus est on gambade et s’arrose dans une eau rafraichissante, celle des plages du début du siècle dernier. On y danse dans la fraicheur du noir et blanc sépia et de la nostalgie d’une époque révolue. Repos et fraicheur tels que préconisés par les plus hautes autorités . Bravo …

Mais je sais que vous êtes curieux. Voici donc quelques infos pour compléter cet article : originaires de Bromley, dans le Kent, ils sont cinq : Matthew et Julia Lowe, frère et soeur, Bethan Ecclestone, Helen Thompson et Tom Sweet. Tous chantent et jouent des nombreux instruments nécessaires à leur folk d’antiquaire : ukulele, guitare, accordéon, piano, trompette ou percussions.

Leur tout premier album, « One for words » sort le 27 Aout chez Beatnik Geek Records.

Préparez vous à l’écouter si vous adorez Beirut, Belle and Sebastian ou Noah and the Whale.

Attention chef d’oeuvre !

Je ne sais pas ce qui m’est arrivé cette nuit, ni comment je suis parvenu là, mais depuis ce matin me voici au paradis ! J’y entend un choeur céleste et totalement extra terrestre. Un objet musical non identifié et surgit de nulle part : « Fail for you » de Luke Sital-Singh.

D’emblée ce morceau vient se ranger pas très loin de ces chansons exceptionnelles qui figurent au firmament de la simplicité et de la beauté, celles pour lesquelles Kurt Vonnegut a écrit son aphorisme « The only proof he needed for the existence of God was music. » : « Song to the siren » chanté par Elizabeth Frazer, « Gortoz a ran » de Denez Prigent ou « Sad Song » de Fredo Viola.

La simplicité, on la retrouve dans les arrangements : quelques arpèges et une chorale de voix, mais quelles voix ! Des harmonies vocales magnifiques, belles à pleurer, étonnantes (écoutez bien le pont qui survient au bout de 2’53) qui imprègnent ce folk minimaliste d’une teinte West Coast, celle des choeurs de Midlake, Fleetwood Mac ou Crosby, Stills et Nash.

Et pourtant Luke Sital-Singh est Anglais, de New Malden, près de Kingston au sud de Londres. Ce n’est pas un garçon qui fait des vagues et du buzz : une enfance biberonnée à la musique, avec l’apprentissage très tôt de la guitare et du violon ; une maturation musicale qui se fait à force de concerts multipliés dans des petites salles de banlieue, et maintenant les premiers titres enregistrés qui nous révèlent ce talent incroyable âgé de seulement 23 ans.

Pour compléter le name dropping déjà copieux à son sujet, on ne manquera pas d’y ajouter Bon Iver et les Fleet Foxes. Vous l’avez compris nous avons affaire à une grande révélation de 2012. N’hésitez pas à diffuser via vos réseaux (virtuels ou non) le nom de Luke Sital-Singh et cette chronique, vous allez faire beaucoup d’heureux …

C’est l’été, une période où notre esprit se met en veille et nos oreilles sont attirées par des sons plus faciles d’écoute et festifs.

Alors voici une petite douceur avec le « Phone Sex » de BLOOD DIAMONDS et GRIMES.

Vous connaissez déjà l’étonnante petite fée Canadienne du dubstep dont nous avons déjà écrit le plus grand bien. Outre ces qualités musicales indéniables, Claire Boucher est également ouverte sur ce qui se joue ailleurs. Et cette curiosité insatiable l’a amenée à découvrir Blood Diamonds.

Il s’agit en fait du projet solo du géant blond Michael Tucker, originaire du Kansas mais basé à Los Angeles. Son électro RnB a comme par hasard été signé par 4AD, le même label que Grimes (et décidément à la pointe de l’actualité en 2012 avec notamment l’album enchanteur de Purity Ring).

Invités à partager du temps de studio en Californie, Grimes et Blood Diamonds ont enregistré en une seule folle nuit ce « Phone Sex » torride. Il ne s’agit pas d’un titre d’électro expérimentale comme on aurait pu s’y attendre au vu des CV des protagonistes. C’est un morceau résolument pop (voire k-pop à la Bigbang), qui démarre sur quelques notes de steeldrum façon « Far nearer » de Jamie XX avant de se propulser par une rythmique house sur le dance floor mondial de l’été.

Musique facile et festive on vous disait …

Aujourd’hui, TheMusicalBox s’ouvre sur la découverte d’un jeune groupe émergent : VARIOUS CRUELTIES.

C’est un groupe tout neuf qui réside à l’ouest de Londres. Ils sont quatre : Liam O’Donnell (chanteur charismatique), Beanie Bhebhe (guitare), Adam Coney (basse), Dean Valentine Smith (drums). En un an d’existence, ils ont déjà signé sur le label Rough Trade, sorti un premier album, tout en jouant en première partie de Kasabians ou The Vaccines.

Ils revendiquent l’héritage de la soul jouée sur la scène des pubs Anglais des sixties, et de la pop de la Motown, le tout remis au goût du jour. Entre The Jam et Coldplay, Sam and Dave et Artic Monkeys. Voire même un lien de parenté avec Elvis Costello ou Joe Jackson.

On entend donc au premier plan la voix de crooner de Liam O’Donnel et son accent du nord assez marqué (il est originaire de Leeds), enjolivée par une ambiance musicale très 60’s : orgue, cuivres, caisse claire éclatante. Une richesse mélodique alliée à l’efficacité de la production qui pourrait bien leur valoir un escalier direct pour les scènes des stades dans les mois à venir.

L’album, « Various Cruelties » est sorti en avril, enregistré à Los Angeles par Tony Hoffer, producteur de (Beck, Phoenix ou Foster the People).

Musique estivale donc, à savourer sans modération et sans prétention.

Changement de registre aujourd’hui, avec en guise de clin d’oeil l’hilarante vidéo du « Love This » de COSMO JARVIS.

Derrière ce nom se cache Harrison Cosmo Krikoryan Jarvis, d’origine Américaine, émigré pendant son enfance dans le Devon en Angleterre.

Son parcours est finalement assez classique : il compose ses propres chansons dans sa chambre à partir de l’âge de 12 ans. Il signe à 19 ans avec le label Wall of Sound pour son premier album « Humasyouhitch/Sonofabitch » en 2009. Le succès est rapide, à la BBC et dans le NME, avec le premier single « She’s got you ». En 2011 sort le deuxième album « Is the World Strange or Am I Strange? » et son tube « Gay Pirates ».

« Think Bigger » est le troisième disque, sorti il y a un mois sur le label 25th Frame. Cosmo Jarvis y développe son storytelling, à partir de sa guitare ou de sa mandoline. Des chansons simples, belles et poignantes, tendres ou graves, aux arrangements sobres et chaleureux, dont il joue tous les instruments !

C’est également depuis son enfance un amateur de vidéos, et il adore réaliser des films et des clips, comme celui de « Love This » très réussi avec ce long plan séquence en travelling arrière sur un ballet marrant d’anges et de démons … En plus nous avons affaire à un tube que vous vous surprendrez au bout de quelques écoutes à fredonner facilement …

Allez tous en choeur : « You don’t know how much I love this ! »

C’est décidément un feu d’artifice de nouveautés majeures pour cet été 2012, puisqu’après Blur, Two Door Cinema Club, The XX, c’est BLOC PARTY qui revient dans la lumière !

Il y a six mois on ne donnait pas cher de leur avenir. Le NME annonçait le split du groupe, victime de l’érosion des années et de divergences musicales importantes. Et puis d’un coup de baguette magique, renversement de situation, nous voici avec un nouvel album, « Four » qui sort le 20 Aout, précédé du single « Octopus ». Comme son nom l’indique, ce sera (seulement !) leur quatrième album en plus de dix ans.

Le groupe est apparu en 1999, formé autour de la personnalité hors norme de Kele Okereke, chanteur et guitariste. Il est entouré par Russell Lissack (guitare), Gordon Moakes (basse et claviers), et Matt Tong (drums). Leur lancement a été plutôt rapide à partir de 2004. La mise à feu est assurée par leur premier titre « She’s hearing voices », révélé par la BBC et Alex Kapranos, le chanteur de Franz Ferdinand. Puis le décollage est assuré par deux singles époustouflants : « Banquet » et « Helicopter ». Enfin la mise sur orbite est obtenue par le premier album « Silent Alarm », produit par Paul Epworth, qui est pour beaucoup l’album de l’année 2005.

C’est pour tous la découverte d’un indie rock Anglais qui ne renie pas ses glorieux ancêtres : Cure, Joy Division, The Smiths, avec une influence noisy qui lorgne du côté de Sonic Youth. Une musique basée sur les guitares, avec un gros travail sur les effets, soutenues par une rythmique basse batterie très nerveuse et rapide, dans un style très tendu et urgent.

Début 2007 sort le deuxième album, « A weekend in the city » produit par Jacknife Lee, plus electronique, ambitieux et puissant, avec l’ajout d’arrangements de cordes. On y retrouve les hymnes « The Prayer », « I still remember » et « Hunting for witches ».

Le troisième opus, « Intimacy », date de fin 2008, et marque un fléchissement du groupe. Malgré une co-production Epworth et Lee, on ne retrouve pas dans « Mercury » ou « Talons » la flamboyance et la qualité d’écriture de leurs débuts et ce disque est une déception. Conséquence sans doute de cet appauvrissement musical, Kele prend ses distances. Il entame une carrière solo avec « The Boxer » en 2010, caractérisé par un son electro très expérimental. Pendant ce temps les autres partent aussi sur des projets parallèles. Et logiquement en septembre 2011 la rumeur enfle et devient publique : la séparation du groupe est imminente.

Et finalement non : c’est un rebondissement depuis début 2012, avec l’annonce, puis la concrétisation de ce quatrième album. Changement de label (Frenchkiss records), de producteur (Alex Newport, qui a notamment travaillé avec At The Drive In), mais pas de style, puisqu’on revient plutôt au son de « Silent Alarm » et aux couleurs musicales fondatrices du groupe.

A l’écoute d’« Octopus » en tout cas, on découvre une chanson où les guitares dominent, située entre Blur et Sonic Youth, avec une recherche mélodique. C’est un retour à plus de simplicité, à une production humble et légère, plus authentique, sans esbroufe.

A confirmer sur l’album dans les prochaines semaines …

Voici en tout cas le clip d’ « Octopus » le single et juste après l’audio de « Day four » un autre titre de l’album.

C’est l’un des gros évènements musicaux de ce mois de juillet : le retour de THE XX.

Ils nous avaient quittés il y a trois ans (déjà !) , nous laissant encore sous le choc de leur extraordinaire premier album, « xx ».

Pour ceux d’entre vous qui ne les connaissent pas, il s’agit d’un trio Anglais, constitué de Romy Madley-Croft (chanteuse), Oliver Sim (chant et guitare) et Jamie Smith (claviers, samples, producteur et arrangeur). Ils se sont rencontrés dans une école d’art à Londres, Elliott School. Leur histoire est un vrai conte de fée. Leur premier album sort en aout 2009, sur un label indépendant, Young Turks, enregistré dans un garage et auto-produit, joué sur des instruments achetés sur eBay. Quatre mois après il est en tête de toutes les listes de fin d’année, entre dans celles des meilleurs albums de tous les temps. Pour le groupe c’est le jackpot, avec leurs morceaux qui sont repris pour des séries TV, des pubs, et même pour la campagne électorale Anglaise de 2010 ! Ils remportent le Mercury Prize et plusieurs Brit Awards en 2010 et 2011.

Comment ont-ils pu arriver à ce niveau ? Leur musique est pourtant loin d’être facile d’accès ou racoleuse. Retranchés pendant un an dans leur garage, ils ont écrit une indie pop extraterrestre. Une musique minimaliste, lente, hantée, mais débordante d’émotion et de fragilité. Ces comptines caverneuses sont jouées sur deux accords avec des effets d’écho, et dominées par le chant ténébreux et susurré de Romy et Oliver. C’est l’affrontement de la rage et du silence . A mi-chemin entre The Cure et Young Marble Giants, entre Wu-tang Clan et Joy Division. Jetez vous sur Youtube pour écouter « VCR », « Crystalised » ou « Shelter ».

Depuis 2009, The XX a beaucoup tourné, sur les scènes des plus grands festivals de la planète,mais hélas perdu un musicien, Baria Qureshi le clavier, parti pour divergence artistique. L’an passé Jamie X a cartonné avec un single estival « Far Nearer », largement diffusé sur notre Radio Program (n’hésitez pas à l’écouter régulièrement, plus facile en utilisant la fonction « détacher » pour la mettre sur votre barre des taches).

Il va de soi que le deuxième album est très attendu.Il s’intitulera « Coexist » et sa date officielle de sortie est annoncée pour le 11 Septembre (!). Jamie Smith a annoncé qu’il sera beaucoup plus orienté club music. Attendons un peu pour voir, mais si on se fie à ce premier single extrait de l’album,« Angels », ce n’est pas encore le morceau à chanter à tue tête sous la douche ou pour sautiller sur le dance-floor. On y retrouve la lenteur et la pénombre habituelle du groupe, avec des arpèges en cascade, le chant caressant de Romy, et ô nouveauté, une caisse claire explosive et sismique qui apparait à mi-morceau .

C’est un titre magnifique, qui nous fait attendre avec impatience le mois de septembre (ce qui est assez rare avouons-le) pour la sortie de l’album.

Vous connaissez l’expression « Qui aime bien châtie bien ».

C’est donc sans aucun remord que je sors aujourd’hui la machette pour tailler nos anciens chouchous de TWO DOOR CINEMA CLUB.

En 2009, dès leurs débuts sur le label Kitsuné, un an avant avant leur éclosion phénoménale, j’avais instantanément craqué sur « Something Good Can Work » en leur prédisant un avenir radieux.

Pour ceux qui vivent dans une caverne sans réseau de communication ni recepteur radio, rappelons qu’il s’agit d’un trio Nord-Irlandais : Sam Halliday (lead guitar), Alex Trimble (Chant, rhythm guitar, claviers) et Kevin Baird (basse), avec le renfort sur scène de Benjamin Thompson à la batterie. Leur premier album « Tourist History » est un des must de 2010 avec une collection impressionnante de tubes indie-pop. Le groupe enchaine les grands festivals de la planète rock dans les mois qui suivent et remporte une adhésion unanime à leur rock pop mélodique et festif, frais et sautillant. Ce qui est intéressant c’est qu’ils plaisent autant aux teenage girls hurlantes en pamoison aux premiers rangs qu’à leur vieux père vétéran du rock avachi au fond de la salle au bar devant sa bière. Grand succès donc et totalement mérité.

La découverte des nouveaux morceaux de leur deuxième album « Beacon » est donc un évènement attendu avec impatience. Mais hélas c’est  une bien mauvaise surprise. Que leur est-il arrivé ? Comment on-ils pu se perdre en route ainsi ? Est-ce la « pression du deuxième disque » qui est toujours une épreuve de vérité, un genre de « quitte ou double » ? Ont-ils trop voulu faire évoluer leur style musical ou s’agit-il d’une volonté délibérée de ratisser un public plus large et commercial ? Toujours est-il qu’on ne retrouve plus nos chers Irlandais dans cette pop FM lourdingue, mièvre et grassouillette . C’est pourtant l’un des meilleurs producteurs du moment qui officie aux manettes : Jacknife Lee (U2, REM, ou Bloc Party parmi tant d’autres).

Un frêle espoir demeure encore car on ne connait pas tous les titres de « Beacon » et il y aura peut-être une divine surprise lors de sa sortie le 3 septembre prochain, mais pour l’instant, s’il faut se fier à ce premier single « Sleep Alone » il y a de quoi être pessimiste.

Ils ont déjà livrés leurs premières chansons pour des musiques de pub qui rapportent gros : une banque (« Something Good Can Work »), le loto (« What you know »), des opérateurs téléphoniques (« Something Good Can Work » et « Undercover Martyn »). Alors essayons d’imaginer quelle pub pourrait illustrer leur « Sleep alone » : lingerie féminine (ils semblent en rêver si on en croit le visuel du single) ? Ou ne serait-ce pas plutôt lessive ou dentifrice ? Voire produit WC … A vous de choisir !

Il était une fois au siècle dernier, durant l’été 1995 précisément, deux groupes formidables. Mais hélas leur rivalité artistique avait été exacerbée et attisée par l’ensemble des journalistes musicaux Anglais et était devenue une véritable guerre pour savoir lequel des deux serait le roi du monde de la Britpop.

Je veux parler de « The battle of britpop » cet affrontement terrible et légendaire entre OASIS et BLUR, presque aussi célèbre que celui des années 60 entre Beatles et Stones. D’un côté les bad boys de Manchester, déjantés, crâneurs et provocateurs, qui enfilaient les tubes avec « Supersonic », « Live Forever » ou « Wonderwall » et incarnaient une imagerie rock n’roll sulfureuse. De l’autre les gentils BLUR, Londoniens, plus arty et mélodiques, plus clean et pop, avec eux aussi une ribambelle de hits « Popscene », « Girls and boys » ou « Country life ».

Sans chercher à donner le nom du vainqueur, on peut quand même se rappeler que nous étions beaucoup à penser que Oasis serait le futur du rock, et Blur une étoile brillante, mais filante dont l’éclat disparaitrait dans les abimes de la longue histoire du rock.

Et nous avions tout faux ! 17 ans après, le gang des frères Gallagher a connu de multiples ratés, discographiques, familiaux, psychiatriques pour finir par une explosion en plein vol à Rock en Seine en aout 2009 .

Et pendant ce temps là le soi disant mièvre Damon Albarn s’est transformé en personnage majeur des musiques actuelles. Il n’a pas cherché à prolonger l’aventure Blur resté sans inspiration musicale après l’album« Think Tank » en 2003. Par contre il a rayonné sur le monde rock au sein de projets kaleidoscopiques : le carton commercial GORILLAZ avec Jamie Hewlett, la musique Africaine avec « Mali music » au profit de l’ONG Oxfam, les supergroupes The Good, the Bad and the Queen et Rocket Juice & the Moon, des musiques de film, un opéra Chinois, et pour finir un opéra sur John Dee. Une démarche artistique audacieuse, teintée d’un humanisme farouche, et menée avec classe et sobriété.

Pour 2012, à l’occasion des J.O de Londres, BLUR (Albarn aux claviers et au chant, Graham Coxon à la guitare, Alex James à la basse et le batteur Dave Rowntree) nous revient avec deux nouveaux morceaux, « Under the Westway » et « The Puritan » .

Si le premier ne nous convainc pas avec son côté hymne de stade à la « Hey Jude – We are the world », le deuxième est bien plus séduisant : une petite cavalcade rythmique sautillante et syncopée pour attirer l’attention, puis le morceau se développe avec emphase, ponctué par un gimmick entêtant de synthé, décalé et jouant sur la dissonance, et on entend la qualité mélodique de toujours, caractéristique constante chez Blur et qu’on apprécie encore à sa juste valeur.

Il semble que le groupe a enregistré plusieurs titres supplémentaires pour un album mais rien n’est encore joué. Feuilleton à suivre …

Voici un personnage hors du commun de l’avant garde musicale actuelle : John MAUS.

Son nom n’est pas forcément connu de beaucoup d’entre vous, mais il y a fort à parier que vous l’avez déjà entendu derrière ses claviers, que ce soit avec Panda Bear ou Ariel Pink, groupes au sein desquels il officie. Il a également collaboré avec Animal Collective.

C’est un trentenaire érudit, qui a grandi à Austin avant de faire des études de musique et, plus original pour un rocker, de philosophie politique ! Musicalement il s’est mis à la pop avec Ariel Pink, mais en gardant intacte sa passion pour l’expérimentation avec l’utilisation de samples de musique Gregorienne ou médiévale mixée avec de l’electro-pop ou de l’afterpunk.

Sa discographie personnelle est surtout constituée de trois albums : « Songs » en 2006, « Love Is Real » en 2007 et « We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves » en 2011. Mais il existe une multitude de titres qui trainent soit sur des compilations, soit sur des productions très underground. Ses compositions sont hantées, étranges, parfois difficile d’accès, habitées par l’esprit de Joy Division, Scott Walker ou David Bowie.

C’est le cas du morceau que nous vous proposons : « No title (Molly) » est un titre ancien qui n’existait qu’en démo et a été réenregistré pour être publié en flexidisc par Domino pour le record day 2012.

C’est un magnifique morceau de pop synthétique un peu rétro, sensible et ténébreuse. Il ne nous en fallait pas plus pour vous le présenter dans notre MusicalBox.